Abstracción antes del abstracto

COPIO AQUÍ LO QUE TENGO PUESTO EN "CONCEPTOS"

mímesis : imitación de la naturaleza. Es el propósito declarado de las artes figurativas en la mayor parte de la tradición estética desde la Antigüedad, pero hay que diferenciar en ese propósito la tensión entre el realismo y el idealismo (las esculturas griegas, particularmente las de la época clásica, no son retratos reales, sino la búsqueda de un ideal de ser humano); así como la tensión entre la figuración y la abstracción (en donde desaparecen los referentes en objetos reales); hay todo una graduación entre la reproducción detallista y acabada de cada rasgo y su simplificación, estilización, abocetamiento (non-finito); de hecho, la búsqueda de una mayor aproximación a lo real se hace mediante técnicas que desdibujan (sfumato, perspectiva cromática, perspectiva atmosférica), alteran los colores (cangiante, Impresionismo) o los tamaños y las formas (perspectiva lineal, escorzo, Cubismo). Tampoco hay que confundir el "realismo" como tendencia estética universal con el estilo denominado Realismo, un movimiento artístico de un periodo concreto a mediados del siglo XIX (Courbet, Millet).

abstracción : tendencia artística a la utilización de las formas por sí mismas, sin ningún tipo de representación de objetos del mundo exterior, incluso despojando a las formas de todo su valor icónico (icono: signo que mantiene una relación de semejanza con el objeto representado). Es la tendencia opuesta a la figuración o representación mimética (imitación de la naturaleza), que es la predominante en pintura y escultura, tanto que estas dos artes se definen habitualmente como "artes figurativas". No debe confundirse con el aniconismo, que es la ausencia de representación de figuras humanas o animales, normalmente por motivos religiosos. Varios estilos de las vanguardias del siglo XX se identifican con la abstracción (Abstracción geométrica, Orfismo, Vorticismo, Suprematismo, Constructivismo, Neoplasticismo, Abstracción lírica, Expresionismo abstracto, Informalismo, Tachismo, Abstracción pospictórica...) 

VER ESTOS ESTILOS EN LA PÁGINA "TEMAS Y TEMILLAS". COPIO AQUÍ UNA PEQUEÑA PARTE:

No hay que confundir con la abstracción como principio estético, que está presente en todo tipo de arte: reducir lo real a sus rasgos esenciales (los elementos del lenguaje visual) y que se contrapone a la imitación de la naturaleza (mímesis, realismo o naturalismo). No hay una oposición absoluta entre la abstracción y la figuración, sino una gradación continua en la que son posibles distintos grados de esquematización, estilización o simplificación. Muchos pintores compitieron por decir que habían pintado el primer cuado abstracto, (Malévich, Cuadrado negro sobre fondo blanco, 1915, Mondrian, Composiciones, 1911-1914, Delaunay, Ventana sobre la ciudad, 1912, Kandinsky, Composición V, 1911 -la primera acuarela, que él firmó posteriormente poniéndole la fecha de 1910, es datada por los historiadores en 1913-, Hilma af Klint, Caos primordial, 1906) . [Chilvers]: Kandinsky ... escribió que "el impacto de un ángulo agudo de un triángulo en un círculo produce un efecto no menos poderoso que el dedo de Dios tocando el dedo de Adán en la Creación de Miguel Ángel" [Sección "Geometría" en Reflexiones sobre el Arte Abstracto, 1931 -parece una referencia al cartel Golpead a los blancos con la cuña roja (El Lissitzky, 1920)]. La escueta réplica de Keith Vaughan a este comentario fue: "no para mí, muchacho" [-not to me boy!-]. 

Presentación de Ignacio Sobrón

El último libro del filósofo Norbert Bilbeny (Barcelona, 1953), catedrático de Ética en la UB, es un instructivo ensayo sobre la pintura. Al haberse escrito desde la práctica pictórica del propio autor, su óptica es la del arte contemporáneo. Su tesis de arranque es que somos animales de realidades: queremos estar siempre conectados con todas las cosas; buscamos tocar el mundo. De ahí que el artista no cree, recree la realidad; el arte figurativo recrea el mundo visible; el abstracto, realidades invisibles. El arte busca intensificar nuestra percepción del mundo. ... Efectúa una original distinción entre entender y comprender, o entre figuración y vanguardia, exponiendo las razones por las cuales, entre el año 1911 de Kandinsky y el 1917 del famoso urinario de Marcel Duchamp, el naturalismo, sumido en su callejón sin salida, colapsó y la pintura dejó de poder seguir reproduciendo el mundo de la naturaleza. Explica por qué a la pintura no le quedó más remedio que reproducir otro mundo (el del propio artista y su técnica) distinto al natural; el arte giró hacia sí mismo. El libro aclara a los espectadores no expertos dónde reside el interés del hecho de que el tema del arte abstracto sea el propio arte y el artista. Filosóficamente hablando, implica la preeminencia del espíritu sobre la naturaleza, lo cual implica desplazar el contenido (materia) en favor de la forma (espíritu). Bilbeny expone... por qué el arte abstracto es una producción antes que una reproducción, desmintiendo, polémicamente, que la pintura figurativa sea más concreta que la abstracta, por cuanto esta se abstrae del significado y de la interpretación, es decir, justamente, de la inconcreta polisemia. Al no querer ser interpretado y no buscar significar, la pintura abstracta muestra sólo signos, que son siempre, por su propia hechura, signos concretos. A la contra de lo que normalmente se cree... lo figurativo no se deja concretar por querer siempre representar ideas que van más allá de lo que se muestra. Critica la idea popular de que los cuadros abstractos sean más fáciles y menos ingeniosos de crear, pues al no buscar mimetizar o imitar cosas sensibles, deben inventar contenidos separados (abstraídos) de lo perceptible. Lo cual dificulta máximamente la creación y exige gran dosis de imaginación. ... “la provocación no siempre es arte (…) El arte actual, con salas de museos convertidas en almacenes de curiosidades o escaparates de sorpresas, incluye un puñado de artistas mediocres”. El autor exige que, aunque la pintura actual no busque la belleza, para seguir siendo arte no puede renunciar a suscitar,placer estético, pues sin conmover y agradar no hay espectador; y sin el placer que el artista siente en el objeto de su imaginación, no habría pinturas. (Reseña de Arash Ajormandi, La Vanguardia, 23/07/2023)

Altarpiece, No. 1, Group X, Altarpieces ("Retablo" o "pieza de altar"...), Hilma af Klint, 1907).
fuente de la imagen: Commons, citado en
https://theconversation.com/amp/hilma-af-klint-una-pintora-a-la-vanguardia-de-la-abstraccion-187210
"Junto con cuatro amigas formó el grupo De Fem (Las cinco), que realizaba séances (sesiones) espiritistas de las que derivaban bocetos e instrucciones. A partir de estos, Af Klint se embarcó en componer una obra abstracta, simbólica y compleja que buscaba representar el orden del cosmos. Esta obra monumental [sic] que Af Klint comenzó en 1908 se considera ahora la primera manifestación de la abstracción. Aunque piezas de Af Klint habían estado en algunas exposiciones colectivas antes, fue en 2013 cuando el Moderna Museet de Estocolmo le dedicó una monográfica en la que se pudo conocer la amplitud y brillantez de su obra. Esta había estado oculta durante cuarenta años por deseo de la artista, quien confiaba en que la sociedad futura estuviera preparada para comprender mejor su propuesta."

Group I, Primordial Chaos (Grupo I, Caos primordial), Hilma af Klint, 1906–1907
fuente: guggenheim

"Georgiana Houghton’s first spirit drawings were created with a small wooden mechanism called a planchette. In the catalogue for her exhibition in 1871 Georgiana described them as: Study of Curves, A little more Design, Still more Design, Cecil’ s Flower, Cecil’ s Fruit, Zilla’s Flower: with pencils of two colours, left unfinished, as being satisfactory, Zilla’s Flower and Zilla’s Fruit – three in number, representing that she was a daughter, a wife and a mother."
(fuente: georgianahoughton.com/)
Es significativo que otras mujeres utilizaran lo que hoy consideraríamos pintura abstracta, pero no con criterios "artísticos" en el sentido de "museísticos" o de mercado del arte, sino por su valor intrínseco en sus propias actividades "no artísticas". Así Emma Kunz, que se consideraba a sí misma "sanadora" (https://culturainquieta.com/es/arte/pintura/item/19089-emma-kunz-una-artista-visionaria-que-anticipo-las-ideas-del-siglo-xxi.html)

LOS PRIMEROS PINTORES CONSIDERADOS ABSTRACTOS

Composición V, Wassily Kandinsky, 1911
fuente: meisterdrucke

Primera acuarela abstracta, Wassily Kandinsky
(firmada por el autor con fecha 1910, en realidad es de 1913)
fuente: rz100arte . Ver HA!

Denominó a su estilo como "Abstracción lírica". Fundó el grupo expresionista Der blaue reiter y participó en la escuela de diseño Bauhaus. Entran obras suyas en EVAU: "Lírica" (1911), que en realidad es figurativa, y "Sobre blanco II" (1923).

Ventanas simultáneas sobre la ciudad, Robert Delaunay, 1913.
Su estilo, derivado del Fauvismo y el Cubismo, se denominó Orfismo por Apollinaire.
Fuente: 3minutosdearte y HA!

Compositie bomen 2 ("Composición árboles 2"), Piet Mondrian 1912-1913
La denominación de su estilo es Neoplasticismo, en torno al grupo holandés De Stijl. Las "Composiciones" con colores puros que rellenan espacios rectangulares separados por gruesas líneas negras son de los años 20 y 30, como la que entra en la EVAU.
fuente: Wikipedia y Commons y HA!
 Un cuadro de Mondrian ha estado colgado 75 años al revés (ABC, 2022)

Aspecto actual del "Cuadrado negro sobre fondo blanco", Kasimir Malevich, 1915, cuyo título original era el de una broma de Alphonse Allais (1897). Entra en EVAU. Fuente: HA! y El País,

Radiografía del "Cuadrado...", fuente: El País

El contexto original del "Cuadrado..."  en la exposición 0,10 ( Petrogrado, 1915) fuente: Wikipedia, La Cámara de Arte y Daniel Tubau: "En esta esquina están las obras de Malevich y, presidiendo a todas ellas (“como un icono ruso”), su Cuadrado Negro." A pesar de que la exposición se refería a sí misma como "la última exposición futurista", se la considera el punto de partida del Suprematismo.

Las Vanguardias del periodo de Entreguerras (1918-1939), con su gran libertad creativa, permiten acercarse mucho a la abstracción aunque mantengan algún referente figurativo, como en la obra de Joan Miró, Julio González, Alexander Calder o Henry Moore. Desde 1945, las Vanguardias posteriores a Segunda Guerra Mundial desarrollan propiamente arte abstracto con formas no geométricas (Informalismo, Expresionismo abstracto -en la EVAU entran obras de Pollock, Tapies, Saura-) y geométricas (Abstracción postpictórica, Arte cinético, Op art -en la EVAU entran obras de Stella, André, Vasarelly-).

ABSTRACCIÓN ANTES DEL ABSTRACTO

El camino a la abstracción como deconstrucción del arte figurativo se produce durante el siglo XIX, desde Goya y el Romanticismo, y tiene ejemplos evidentes en los impresionistas. Obviamente, no puede denominarse "abstracta" una obra que tiene una explícita referencia figurativa (lo mismo ocurre con la mayor parte de la obra de Joan Miró). Una forma de entender lo que está ocurriendo es la reacción lógica del espectador ante las obras cuando las contempla: si se acerca mucho, no ve más que líneas, puntos y manchas, formas y colores que no parecen representar nada en concreto, mientras que si se aleja, advierte las figuras. En realidad eso no es una novedad por sí mismo: también ocurría (al menos desde Leonardo) con el sfumato y el non finito; y en obras de madurez de grandes maestros del Renacimiento y el Barroco (Tiziano, Velázquez, Rembrandt), caracterizados por la pincelada empastada y gestual. Pero es sí una novedad cuando cada vez más los pintores que desean marcar su "voluntad de estilo" buscan "el arte por el arte" o el "arte puro" mediante un voluntario alejamiento de la mímesis, que técnicamente ya se ha conseguido con un alto grado en la pintura académica (y por otro camino en la fotografía), y sus productos se han popularizado de tal forma que la élite intelectual deja de considerarlos un logro satisfactorio para verlos como algo vulgar (kitsch).

Las recolectoras de avellanas, Bouguereau, 1882
(fuente: Wikipedia y Commons)

Las amapolas, Monet, 1873
(fuente: HA!)

Nenúfares y reflejos de un sauce, Monet, 1916-1919
fuente: museothyssen.org/exposiciones/monet-abstraccion

Almiar en una mañana de niebla, Monet, 1891
(fuente: Wikipedia y Commons)
No sabemos cuál de los cuadros de la serie "Almiares" es el que vio Kandinsky.
En rz100arte se describe de modo muy accesible su trayectoria hacia la abstracción.

Yo sólo conocía el arte realista, y más aún, exclusivamente el de los autores rusos […] Y de pronto, por primera vez, veía un cuadro. Por el catálogo me enteré de que se trataba de una parva. No conseguí en modo alguno reconocerla. Y no reconocerla me resultó penoso. Me parecía asimismo que el pintor no tenía derecho a pintar de una manera tan imprecisa. Sentía confusamente que en el cuadro faltaba el objeto. Y hube de advertir con asombro y turbación que el cuadro no solamente se adueñaba de uno, sino que además dejaba impresa en la conciencia una marca indeleble, y que en los momentos más inesperados lo veía uno flotar ante sus ojos con sus menores detalles. Para mí, todo eso era muy confuso, y no fui capaz de sacar las conclusiones elementales de tal experiencia. Pero lo que advertí con perfecta claridad era el vigor insospechado de la paleta del pintor, vigor que hasta entonces se me había ocultado y que iba más allá de todos mis sueños. La pintura adquiría aquí una fuerza y un brillo fabulosos, pero, también de manera inconsciente, el objeto, como elemento indispensable del cuadro, quedaba rebajado. En general yo experimentaba la impresión de que una parte pequeñita de mi Moscú encantado existía ya sobre aquella tela. (Kandinsky, citado en 3 minutos de arte)

Hay ejemplos, mucho más lejanos, precedentes de la abstracción:

Pinturas rupestres con motivos geométricos o no reconocibles:

Ejemplos de Mesa de Catujanos -México- y de Sudáfrica (fuente de texto e imágenes: rupestreweb.info/rupestregeometrico.html): "Las formas geométricas adornan el objeto decorado más antiguo conocido hasta ahora, una cadena de triángulos plasmada en una placa grabada que viene de África del Sur con fecha de 70,000 años aproximadamente. En el ámbito rupestre, aunque nos parezcan menos visible (y son menos comentados en la literatura), motivos geométricos acompañan los preciosos retratos realistas de los animales de Chauvet con alrededor de 32,000 años de antigüedad".

Krystal D'Costa, 73,000 Year Old Hashtag is Oldest Example of Abstract Art - A silica flake from Blombos Cave contains the oldest example of prehistoric abstract art, and it looks like one of the most used symbols online, Scientific American, September 12, 2018

In addition to figurative art, there are examples of prehistoric abstract art. What is its origin, and what is its purpose? Professor Louis-René Nougier (“History of Art”, Salvat Editores, Vol. 1, 1981) distinguishes between “derived” abstract art (pointing as an example to the evolution of paintings found at Lascaux, from the naturalistic goat to the “barbed” decoration) and “pure” abstract art, such as the decorations found on mammoth horns in Mezin, Ukraine. But beyond their interest and undeniable aesthetic value, the purpose of these works is still a matter of debate. Before accepting any of the theories as valid, we should always bear in mind Grahame Clark’s reflection on the error of judging prehistoric art according to the mentality of our modern culture. For Clark, for the Palaeolithic inhabitants “art is not entertainment or a means of self-expression, but the adaptation to rites and ceremonies connected with birth, death, fertility and the propitiation of evil forces” (“The Awakening of Civilisation”, 1961). But what were these rites and what was the meaning of these ceremonies? We do not know, the context has been lost, buried after thousands of years of human evolution. “We are not in a position to say whether the rite or ceremony consisted in the fact of materially executing the figures or in something that was done in front of them“, concludes Alfonso Moure (“The Origin of Man”, 1989). “This ‘something’, which could be word, gesture, music or oral tradition, is something we can hardly get to“. (G. Fernández theartwolf.com/art-history/paleolithic/ )

"tectiformes" y puntos alineados, de la Cueva del Castillo
-comentario auladehistoria-
(fuente imagen: Pinterest)

Cerámica neolítica

Vaso de cerámica negra incisa,
periodo predinástico egipcio, IV milenio a. C.
fuente: Wikipedia y Commons

Réplica de un vaso campaniforme de Ciempozuelos,
primera mitad del II milenio a. C.
fuente: Commons

En la periodización de la cerámica griega hay un "periodo geométrico" (siglos IX-VIII a. C.) en que la mayoría (aunque no toda) de la superficie de los vasos se cubre con decoración geométrica, con motivos estereotipados como la "greca" o meandro, que también se usa en arquitectura.

Fragmento del Ánfora NAMA 804 del Maestro del Dipylon
(fuente Commons)

La pintura griega sobre otros soportes no se ha conservado más que por descripciones literarias, que destacan sobre todo su fidelidad a la imitación de la naturaleza, excepto en este caso:

"El corte de Apeles", anécdota recogida por Plinio el Viejo (Historia Naturalis) y citada por Alex Tadel (Ancient Greek abstract art, en Sententiae Antiquae) y por Miguel Guisti y otros (La verdad...): En el palacio imperial del Palatino se conservaba una tabla de pintura griega, apreciada más que ninguna otra, en la que únicamente había unas líneas (nihil aliud continentem quam lineas visum effugientes) pintadas por Apeles y Protógenes. Apeles, visitando el taller de Protógenes en Rodas sin que el maestro estuviera, trazó a mano alzada (supongamos que con un pincel) una línea perfecta sobre una tabla en blanco. Protógenes, al volver a su taller, no necesitó saber qué había pasado: solo Apeles podía haber pintado aquello. Como respuesta, pintó en otro color una línea más fina sobre la de Apeles. Cuando Apeles visitó el taller de nuevo, en vista del desafío, dibujó una tercera línea sobre la de Protógenes, de modo que se distinguían perfectamente las tres líneas, pero la última era tan fina que nadie podría volver a dividirla. 

Casi dos mil años después, Vasari atribuye a Giotto la proeza de trazar a mano alzada una línea perfecta, en este caso un círculo, siendo tal trabajo más estimado que otros cuadros figurativos con los que competía por un encargo papal (citado en Las historias de la historia del arte). También se cuenta una anécdota similar de Leonardo da Vinci: "Ya anciano, se le acercó un noble con una hoja en blanco: “Maestro, maestro dibújeme algo, cualquier cosa”, le rogó el hombre. Leonardo tomó un lápiz y con un solo movimiento de mano le dibujó una circunferencia perfecta. Algo muy difícil o casi imposible de lograr. El hombre un poco desilusionado insistió en otra cosa más digna, más reconocible: un ave, un animal o un rostro por ejemplo. “No lo desestime -le dijo Leonardo- en esta circunferencia hay toda una vida de aprendizaje”." (fuente: rubenrevecoarte.blogspot.com/2017/07/leonardo-o-como-hacer-un-circulo.html)

Las líneas de Apeles y Protógenes (en dos posibles combinaciones de colores) - Elaboración propia

El círculo de Giotto - Elaboración propia

"Ejemplos del I estilo pompeyano en Campania: 1. Casa de Sallustio en Pompeya... 2. Casa del Centauro en Pompeya... 3. Casa Samnita de Herculano..." (fuente José Manuel Vargas en researchgate) Al imitar las formas y colores del mármol, el efecto es indistinguible del expresionismo abstracto.

Mosaico del pavimento de una villa romana
-Santa Engracia, actual provincia de Zaragoza-
(fuente Commons)

Mausoleo de Gala Placidia, Rávena, siglo V, paleocristiano
(fuente: Viajar)

Libro de Kells, siglo VIII, hiberno-sajón (fuente Commons)

Románico

Friso de Burgal -provincia de Lérida- (fuente: laestirgaburlona)

San Nicolas de Bari, en Almiñe -provincia de Burgos- (fuente Círculo románico).

Cosmatesco, siglo XIII (fuente Commons)

Arte islámico, anicónico, con lo que la decoración no debería ser figurativa.

Tumba de Tamerlán en Samarcanda (siglo XV) fuente: 123rf

Alicatados de la Alhambra de Granada (siglos XIV y XV) fuente: alhambra-patronato.es "La geometría es un concepto clave en el arte islámico pues no solo actúa como un elemento estilístico más, sino que está presente en todo el desarrollo arquitéctonico y ornamental como principio rector. Los diseños geométricos del arte nazarí se repiten en distintos formatos y superficies, pero quizá sean los alicatados uno de las principales manifestaciones de este tipo de ornamentación. Los alicatados están formados por pequeñas piezas de cerámica vidriada de diferentes formas y colores que se agrupan entre si para generar tramas geométricas de gran complejidad. El alicatado cumplía una doble función, decorativa, por un lado, y de protección de la superficie arquitectónica por otro."

Detalles de grandes maestros hasta 1814. Adivina cuáles son (fuente Commons):

La lectura abstracta del Perro semihundido de Goya ha sido cuestionada por la presencia de otros elementos perdidos, que parecen indicar que el fondo contenía un paisaje más nítido y dos aves.

Fuente: Santander-Lasalle

El romanticismo inglés tiene una especial capacidad expresiva en gran medida gracias al evidente componente abstracto de sus formas, a pesar de referirse a elementos de la naturaleza (paisajes de Constable o de Turner) o de lo imaginario (en la obra de William Blake):

The song of Los (La canción de Los), William Blake, 1795
(fuente: Wikipedia y Commons)

Rainstorm over the Sea [Seascape Study with Raincloud] (Tormenta sobre el mar [Estudio de paisaje marino con nubes de lluvia]), John Constable, ca. 1824–28 fuente: https://www.metmuseum.org/art/collection/search/692431

Lluvia, vapor y velocidad, William Turner, 1844 -entra en EVAU-
fuente: Commons

Romanticismo alemán

El naufragio del Esperanza o El mar de hielo, Caspar David Friedrich, 1824
fuente: HA!

Post-romanticismo, Realismo o Pre-impresionismo (mediados del siglo XIX)

Desnudo en la playa de Portici, Mariano Fortuny, 1874
fuente artsdot y Museo del Prado 

Modernismo (Art Nouveau, Secesión...)

A pesar de que son características del estilo las formas orgánicas de inspiración vegetal, en las grandes superficies decorativas se permite una desbordante imaginación que supera con mucho la figuración mimética.

Papel pintado "Strawberry Thief" ("Ladrón de fresas"),
de William Morris, fundador de Arts and Crafts, 1883.
Fuente Wikipedia y Commons.

Detalle del Beethovenfries (Friso de Beethoven), Gustav Klimt, 1902
fuente: Wikipedia y Commons. Ver HA!  

Retrato de Adele Bloch-Bauer I, Klimt, 1907
Fuente: Wikipedia y Commons

José Luis Herrera, Los papeles decorados en las guardas de impresos del siglo XVIII de la Base de datos de Encuadernación histórico-artística de la Real Biblioteca

Imágenes generadas por el caleidoscopio de David Brewster (desde 1817) fuente: kaleidoscope

En los parques de atracciones se ofrecía al público una tragaperras (Cuadros Pinta -desde 1967-, Art Machine o Spin Art Machine) que permitía derramar pintura de colores sobre una plataforma giratoria con este tipo de resultado (fuente imagen stevexcraig)

Las camisetas teñidas con el procedimiento denominado tie dye se introdujeron en Estados Unidos a comienzos del siglo XX, extendiéndose a la cultura hippie y la psicodelia en los años 60. Tiene su origen en técnicas asiáticas tradicionales como la japonesa shibori (Wikipedia. fuente de la imagen sarahmaker)

Es más difícil evaluar la tradición del arte aborigen australiano, que puede tener tanta antigüedad como la pintura rupestre paleolítica, pero también ha sido objeto de mixtificación. En todo caso, algunas manifestaciones, como las songlines (líneas o "trazos de canción"), vinculadas a los mitos orales y plasmadas como puntos de pintura, son aparentemente abstractas. (Fuente: artemision)

Tatuajes de las islas del Pacífico (jefe maorí, que también exhibe motivos geométricos en soporte textil y arte plumario. Fuente de la imagen https://www.celtiberia.net/es/multimedia/?id=1738)

Los motivos decorativos de las alfombras persas, cuya tradición se remonta a la época preislámica, pueden ser florales o geométricos (Wikipedia. fuente de la imagen Alcalá subastas)

Los tartán escoceses son una de las "tradiciones inventadas" en los siglos XVIII y XIX

¿Hasta qué punto son "originales" los "motivos étnicos" que se asocian a la decoración textil en distintas "culturas primitivas"?

... southeastern region of Ghana... Wealthy people wear a type of Ewe cloth that is elaborately decorated. It’s made of silk, rayon, or cotton, and typically contains inlays of symbols representing knowledge, ethnics, and morals as applied in one’s daily life. (fuente: ambamarket.com/blogs/news/50891267-history-and-glossary-of-african-fabrics)

fuente: cuflbs.com/post/mayan-culture-and-their-sense-of-fashion

fuente: airsofthistorico.com/shemag/
"La kufiyya... o pañuelo palestino... Tiene un dibujo geométrico que varía de unas zonas a otras y que es, también en función de la región, de color negro o rojo, siempre sobre fondo blanco. Siempre sobre fondo blanco los motivos geométricos del pañuelo parecen tener su origen en redes de pesca lo cual se comprendería dado su pasado histórico. Los colores de los detalles varían en función del país de origen. Rojos en el caso de Jordania, negros en el de Palestina e incluso blancos, en el de Arabia."