 |
| Fuente: Miquel del Pozo |
La más evidente modificación del programa de la asignatura que entra en vigor en el curso 2023-2024 es la inclusión de artistas femeninas. En total son veintitrés, dos de las cuales aparecen indicadas con dos obras, por lo que representan en realidad veinticinco obras en el programa. Del resto de las adiciones de obras (38 del total de 63 obras incorporadas) muchas son también asociables de alguna manera (en la expresión utilizada en el programa) a "la femeninidad" (como la Dama de Auxerre, el friso de las Panateneas, la Afrodita de Cnido, las pinturas mitológicas de Boticelli, la Virgen con Niño de Morales, las esculturas de Canova, la Ghirlandaia de Rosetti o el Salon de Rue de Moulins de Toulouse Lautrec) o incluso por su relación con alguna mujer (como la pintura gótica rotulada con un enigmático nombre femenino -Teresa Díez-, que lo más probable es que fuera comitente, no pintora). Como únicamente han eliminado 15 obras de la lista, a partir de ahora las obras indicadas en el programa son 268 en vez de las 220 anteriores.
(Ver, en la parte final de esta página, "ARTE E IDENTIDAD (SEXO, GÉNERO, RACIALIZACIÓN, VISIBILIZACIÓN Y CANCELACIÓN").
 |
| Travesuras de la modelo, de Raimundo de Madrazo (ca. 1885) museocarmenthyssen |
============== EDAD MEDIA ==================
Una artista femenina:
- Ende (reino de León, siglo X, Prerrománico -Mozárabe-), Beato de Gerona.
RTVE Los datos sobre la vida de Ende son desconocidos, pero parece que fue monja del monasterio de Tábara, en [la actual provincia de] Zamora. ... referencias al arte mozárabe e incluso islámico de muchas de sus maravillosas miniaturas. En el monasterio de Tábara sus tareas principales serían las de preservar la cultura, copiando, traduciendo, estudiando griego, latín, composición musical o creando maravillosos códices ilustrados y copias de beatos [(el nombre dado a los ejemplares del Comentario al Apocalipsis de Beato de Liébana, uno de los libros más difundidos en los reinos cristianos peninsulares de la época). En llamado Beato de Gerona (terminado en 975) su nombre aparece en un texto cuya lectura y traducción no deja de ser problemática: "En-de-pictrix-D[e]i-aiutrix" (En -o más bien Ende- pintora y sierva de dios -o sea, monja-]... Una de las imágenes más interesantes... es la de la Crucifixión, que ofrece elementos que aparecerán más adelante en el arte románico. Un trabajo en el que la monja dio muestra de su gran talento como miniaturista, la única de la que hay ejemplos de la época, y con la que Ende se convirtió en la primera pintora documentada en la Europa occidental.
======= EDAD MODERNA (SIGLOS XV al XVIII) ======
Cinco artistas femeninas (una de ellas con dos obras, por tanto seis obras):
- Sofonisba Anguissola (Italia y corte madrileña de Felipe II, segunda mitad del siglo XVI, Renacimiento final -Manierismo-), Autorretrato y Retrato de la familia Anguissola.
Web del Museo del Prado ... Perteneciente a una noble familia de Cremona, fue educada en la pintura junto a sus cinco hermanas. ... Vasari visitó a la familia y dejó constancia de la preparación de Sofonisba tanto en la pintura como en el dibujo. Destacó en la realización de retratos, llevando a cabo un tipo de representación un tanto informal, en el que a menudo sus modelos desarrollan tareas aparentemente domésticas, acompañados de una serie de objetos que definen en mayor profundidad su personalidad. Ejemplo de ello encontramos en sus numerosos autorretratos en los que Sofonisba aparece leyendo, tocando algún instrumento musical o pintando; todos estos atributos son a la vez representaciones elocuentes de las actividades a las que está sujeto un noble de su rango. En sus primeras obras, se ha señalado la influencia de su maestro Campi, quien asimismo destacó por sus retratos. De Gatti, sin embargo, se ha hecho derivar la influencia de Correggio, que se dejaría sentir en Cremona a lo largo del siglo. Esta influencia parmesana matiza suavemente el acercamiento veraz a los objetos y materias que realiza Sofonisba, quien además insiste especialmente en el estudio psicológico de los modelos. Su actividad en Cremona también incluye pequeñas obras religiosas, realizadas con el objetivo de satisfacer un tipo de devoción privada. En 1559 fue invitada a la corte de Felipe II gracias a los oficios del duque de Alba y del duque de Sessa, gobernador de Milán. Trasladada a Madrid, ejerció de dama de compañía de la reina Isabel de Valois y continuó realizando retratos. Hacia 1571 se casó con Fabrizio de Moncada, hermano del virrey de Sicilia, adonde se dirigió seguidamente. Tras la muerte de su primer esposo, volvió a contraer matrimonio con el noble genovés Orazio Lomellino, y vivió entre Génova y Palermo. En esta última ciudad la visitó Anton van Dyck en 1624, retratándola en su cuaderno de viaje y anotando una edad de noventa y seis años que no la impedía conservar un genio sutil y ser capaz de discutir todavía sobre la pintura. El retrato de Felipe II (Prado), anteriormente estuvo atribuido a Juan Pantoja de la Cruz, tal y como aparecía inventariado en el Alcázar de Madrid en 1686. Ulteriores apreciaciones estilísticas desaconsejaron esta filiación, señalándose su semejanza con otras pinturas de la artista de Cremona. Todo ello se afirmó más sólidamente a partir de la exposición que tuvo lugar en el Museo del Prado en 1990, Alonso Sánchez Coello y el retrato en la corte de Felipe II, que dio la oportunidad de realizar un examen técnico de la obra. Del mismo modo, su Isabel de Valois sosteniendo un retrato de Felipe II también fue considerada anteriormente de Pantoja de la Cruz.
- Artemisia Gentilleschi (Italia, primera mitad del siglo XVII, Barroco), Judith decapitando a Holofernes.
HA! ... Evidentemente caravaggista, su estilo barroco tomó el dramatismo de su ídolo en ambiciosos cuadros históricos y religiosos ... Gentileschi nació en Roma. Su padre Orazio también era artista, así que creció en una familia rodeada de pintores y escultores en los últimos coletazos del Renacimiento, en la mejor ciudad posible para el arte. A los 16 años decidió hacerse aprendiz de su padre, pese a que era impensable que una mujer ejerciera tal oficio. Orazio, orgulloso, y sabedor que la chica era ya mejor que él y el resto de pintores de Roma, accedió a darle nociones académicas. Así que Gentileschi vivió una juventud feliz y plena. Todo perfecto hasta un día en el que con 19 años fue violada por un violador en serie, que se suponía iba a ser su maestro. Sentí un fuerte ardor que dolió mucho pero no pude gritar porque él me tapó la boca con las manos… Le rasguñé la cara, le jalé el cabello y, antes de que me volviera a penetrar, agarré su pene con tanta fuerza que le arranqué un pedazo de piel. Por si esto fuera poco, la chica fue torturada en el juicio (entre otras cosas sufrió un humillante examen ginecológico), para ver si decía la verdad o estaba mintiendo. El criminal fue condenado a un año de cárcel. Desde entonces su obra cambió radicalmente. Más oscura y violenta, su pintura pareció centrarse en fantasías de venganza contra su violador. Tragedias aparte, la artista es hoy considerada no sólo una de las más notables artistas del barroco italiano, sino una adelantada al feminismo. Supo pintar y representar la pintura simbólicamente, logrando un esfuerzo extraordinario de identidad en una época que ser mujer en el mundo del arte era una limitación: personajes bíblicos como Judith o Susana poblaron sus cuadros como símbolos de lucha ante el patriarcado.
Web del Museo del Prado ... Hija del también pintor Orazio, con quien se educó artísticamente y del que se muestra deudora, sobre todo en sus primeras obras. Después de una estancia en Florencia (1614-1620), se estableció en Roma entre 1620 y 1627, con breves viajes a Génova y Venecia. En 1630 se encontraba ya en Nápoles, donde situaría su taller, manteniéndose siempre en estrecho contacto con Stanzione. Allí desarrolló lo más fecundo de su producción, convirtiéndose en una de las figuras artísticas más importantes de la ciudad, influyendo en todo el medio napolitano, especialmente en el propio Stanzione, Finoglia y Cavallino. En 1638-1639 tuvo lugar un paréntesis de su estancia napolitana, pues viajó a Londres, donde se encontraba su padre. Allí no dejó de pintar, conociéndose sus trabajos para la nobleza inglesa. Su primera obra firmada y datada es una Susana y los viejos (1610), realizada con tan solo diecisiete años, que mostraba ya dos de las preocupaciones que serían frecuentes en su pintura: la representación de heroínas y el desnudo femenino. Sus numerosos viajes la situaron en lugar de privilegio para el conocimiento y la valoración tanto de la pintura contemporánea como de los máximos ejemplos del siglo anterior. Formada en el caravaggismo suavizado de su padre, del que supo también reproducir sus modos elegantes, mostró su preferencia por unos tonos más dramáticos que aquél. A la vez, gustó de utilizar unas entonaciones cromáticas y lumínicas de una forma que los caravaggistas no habían sabido trabajar hasta entonces. Esto la convirtió en protagonista de primera fila en la metamorfosis de la pintura napolitana a lo largo de la década de 1630, en la que partiendo del más estricto naturalismo se llegaba al aprecio de los valores atmosféricos y cromáticos del neovenecianismo. Su única obra en el Museo del Prado [(Nacimiento de San Juan Bautista)] es considerada por Roberto Longhi como el más logrado estudio lumínico de interior de toda la pintura italiana del siglo XVII. Su realización se llevó a cabo en Nápoles hacia 1633-1635. ...
- Clara Peters (Flandes -Países Bajos del Sur o españoles-, comienzos del siglo XVII, Barroco), Bodegón con pescado, vela, alcachofas, cangrejos y gamba[s].
HA! ... lo poco que sabemos es gracias a sus pinturas. Pequeñas pistas, apenas visibles, que nos acercan a su persona, la mujer detrás del arte. A pesar de no hallar ningún documento que acredite su nacimiento, todo parece indicarnos que llevó a cabo su aprendizaje y carrera en Amberes, su posible ciudad natal. Analizando sus obras, se han encontrado marcas características de la ciudad en el reverso de los soportes utilizados. Y no sólo eso, en varias pinturas aparecen cuchillos en los que firmaba y también añadía una pequeña marca de Amberes en la hoja de estos. Sus cuadros son bodegones en los que aparecen comida, flores, y toda clase de vajilla. Debemos tener en cuenta la época en la que vivió Clara Peeters, momento en el que las mujeres artistas no tenían la misma libertad que los hombres para crear. Ella fue de las pocas que consiguió desarrollar su carrera artística en Europa durante pleno siglo XVII. La temática de su pintura es lo que conocemos como naturalismo, un realismo extremo en todos los detalles. Cada elemento que aparece en sus obras está cargado de significado, y nos hace entender mejor las costumbres y estilo de vida de su siglo. Los saleros, por ejemplo. Mientras que la sal es hoy un ingrediente cotidiano que nunca falta en una casa, no era así por aquel entonces, había gran escasez de ella, y eso la hacía exclusiva, por lo que iba en lujosos saleros de plata y espléndida decoración. O los cuchillos: cada invitado llevaba el suyo propio, y del mismo modo que las ropas que vestían, los cuchillos servían para demostrar la posición. Cuanto más valioso, más dinero y poder. ¿Y si además os digo que llegó a autorretratarse varias veces en un mismo bodegón? Autorretratos diminutos aprovechando el reflejo de copas u otros recipientes que pintaba. Apenas vemos su rostro, y la paleta que sujeta trabajando, pero no cabe duda de que se trata de la valiente artista, diciendo aquí estoy yo.
- Luisa Roldán, "la Roldana" (España, finales del siglo XVII, Barroco), Ecce Homo ver también aquí
españaescultura ... Se formó influida principalmente por su padre, en cuyo taller de Sevilla trabajó hasta su matrimonio en 1671. Su escultura fue de temática religiosa, siguiendo las directrices del Concilio de Trento de humanizar el arte de las imágenes. Realizó esculturas de tamaño natural para procesionar, en madera o de barro cocido policromado, y muchas de las llamadas “de candelero” o para vestir, así como pequeños grupos de devoción para particulares y conventos. Ejecutó numerosos belenes en terracota, al estilo italiano. En 1686, se trasladó a Cádiz para realizar diversos trabajos encargados por el Cabildo Municipal y el Catedralicio. Dos años más tarde viajó a Madrid, donde trabajó como escultora de cámara para Carlos II y Felipe V. Murió en Madrid, hacia 1704.
La Roldana: así fue la sorprendente vida de la primera mujer escultora de cámara de España - Una de las obras maestras de la nueva Galería de las Colecciones Reales es su colosal 'San Miguel venciendo al demonio'. (El Español, 11 de julio de 2023) ... Pedro Roldán estaba considerado uno de los mejores escultores de Sevilla y tenía más encargos de los que podía abarcar, pues en aquella época se estaban construyendo y decorando numerosas iglesias y catedrales y se necesitaban tallas con la que decorar altares y otros rincones decorativos de los templos. Así que además de los discípulos que, como todos los grandes artistas, tenía aprendiendo en su taller, puso a sus vástagos a ayudarle, ya fuera con la pintura (arte de pintar o decorar con varios colores las obras, en este caso, tridimensionales), el manejo de la gubia (una herramienta para labrar la madera y otros materiales) o la terracota policromada. Se sabe muy poco de su infancia y juventud en esa 'familia de escultores' y, aunque no existen pruebas ni documentos que lo atestigüen, los expertos parecen estar de acuerdo en que Luisa tenía un papel muy destacado en el taller paterno, uno de los más importantes de la capital hispalense. Incluso se ha hablado de una posible coautoría de padre e hija en la realización de la escultura de San Fernando que hay en la Catedral de Sevilla y que en un principio fue rechazada pero que, tras la intervención de Luisa, fue aceptada con agrado. Sea cierto o no, lo que sí está claro es que en el obrador paterno Luisa conoció al que sería su esposo, Luis Antonio Navarro de los Arcos, de su misma edad, que entró a trabajar como aprendiz de Pedro Roldán. Se casan cuando ambos tienen 19 años, contra la voluntad de Pedro Roldán, que se negó a dar su bendición al matrimonio entre su hija y el joven escultor. Aunque no se conocen los motivos de la oposición paterna, sí se sabe que Luisa tuvo que abandonar el hogar familiar mediante mandamiento judicial y permanecer bajo custodia del maestro dorador Lorenzo de Ávila hasta que se celebró la boda. En el expediente matrimonial, consta que el enlace tuvo lugar el 25 de diciembre de 1671. Comienza así una nueva etapa en la vida de Luisa, en la que 'se emancipa' de su padre en lo personal y lo artístico pero es su marido quien firmará a partir de ese momento los contratos de las obras como Luis Antonio de los Arcos, ya que en esa época, “por ley y salvo excepciones una mujer casada no podía figurar como parte en documentos contractuales”. Los primeros años del matrimonio no serán tan felices. Una vez casados, se instalan en la casa familiar de los suegros de Luisa, donde nacerán cuatro de sus siete hijos: Luisa, Fernando, Fabiana y María Josefa, que morirán siendo niños, lo que causará una profunda tristeza en la joven escultora y madre. Mientras tanto, la pareja intenta abrirse camino en un mundo de mucha competencia, el de la escultura del barroco andaluz de finales del siglo XVII y principios del XVIII; se cree que Luisa se dedica a esculpir las imágenes y su esposo, a la policromía. Es un momento de eclosión de esta disciplina artística pues, un siglo antes, el Concilio de Trento había ordenado acercar la religión al pueblo y humanizar las figuras de la iconografía religiosa que se mostrará como elementos decorativos en catedrales, iglesias, monasterios, conventos y cofradías e incluso en palacios, residencias y capillas privadas. Como es Luis Antonio de los Arcos quien firma las obras y los contratos, de la increíble cantidad de piezas atribuidas a la Roldana durante la década de los años setenta y ochenta del siglo XVII, los expertos no pueden saber con certeza cuáles pertenecen a Luisa y cuáles no, porque se apoyan en el parecido entre unas y otras, pero sin constancia documental. Sí se sabe que en los 80 llegan encargos de Cádiz y otras localidades, y, por fin, en 1684, encontramos la primera obra cuya autoría se atribuye a Luisa Roldán, el Ecce Homo de la Catedral de Cádiz. Pero habrá que esperar a finales del siglo XX para obtener esa certeza. En 1984, durante unos trabajos de restauración de la talla, apareció dentro de esta un documento que aseguraba haber sido realizada a medias por Luisa y su marido, que en 1684 al parecer ya residían en la capital gaditana. Sus obras tienen un éxito considerable y reciben más y más encargos, tanto del cabildo de la catedral de Cádiz como del ayuntamiento, que encargó a la Roldana las figuras de los patronos de la ciudad, San Servando y San Germán. En el interior de la talla del primero de los santos, se encontró un documento que decía: “Diseñado por Pedro Roldán, hecho por Luisa Roldán y dorado y estofado por Luis Antonio de los Arcos”. Lo que sugiere que las relaciones del matrimonio con el padre de Luisa, Pedro Roldán, podrían haber mejorado y que su hija podría haber participado en otras obras atribuidas a él durante esos años. En 1689, la familia se instala en Madrid con los dos hijos supervivientes, Francisco José y Rosa María Josefa, y en la capital nacerá también su séptima hija, María Bernarda, de cuyo bautizo madrileño existe un documento. Según los expertos, la primera obra conocida de esa época madrileña es El descanso en la huida a Egipto (circa 1691). Estar en Madrid les permitió acercarse a la nobleza, la aristocracia y a la Corte, lo que multiplicaba los potenciales clientes y ampliaba sus horizontes profesionales al contar con la mayor difusión que otorgaba la capital. Sin embargo, el reconocimiento tardará todavía en llegar. Las grandes tallas que la habían hecho famosa conllevaban muchos meses de trabajo y no eran aptas para todos los bolsillos, así que a la escultora se le ocurre una novedad: realizar en barro cocido policromado esculturas y grupos escultóricos de pequeño tamaño, destinados a decorar las casas de las nuevas clases sociales. La familia sobrevive en Madrid gracias a estas obras, que satisfacían una creciente demanda de la pequeña burguesía, y que ya firma ella misma como, por ejemplo las conservadas en la Hispanic Society of America de Nueva York, Los Desposorios místicos de Santa Catalina y la Muerte de la Magdalena. También fueron muy famosos sus belenes o natividades, en los que representa al grupo de la Sagrada Familia, rodeados por ángeles, e incluye en algunos figuras de la mula y el buey animal o de corderos, hoy presentes en la mayoría de los nacimientos, pero en aquella época bastante 'revolucionario'. En esas obras madrileñas, según los expertos, las caras de las figuras son muy bellas pero sin perder su humanidad y cercanía, por lo que se cree que la escultora se inspiraba en sus familiares o amigos, gente cercana a ella. También destacan en dicho periodo se puede apreciar la progresiva inclinación de su estilo hacia el rococó. El 15 de octubre de 1692 se convierte en la primera mujer nombrada escultora de cámara y logra lo que ninguna artista había alcanzado en la historia del arte en España. Sin embargo, el nombramiento, firmado por Carlos II de España, el rey conocido como 'el Hechizado' (1661-1700), no solucionó los problemas económicos de la pareja. No se sabe si porque el cargo fuera honorífico y en un principio no llevara acompañado un salario o porque, en una corte al parecer corrupta y mal administrada, el pago no llegaba, son numerosos los documentos en los que la artista suplica al rey o a su esposa una vivienda, ropa u otro tipo de ayuda para ella y su familia, o un cargo para su marido. A pesar de su precaria situación económica, Luisa Roldán empieza a firmar con mucho orgullo añadiendo, junto a su nombre, “escultora de cámara”. Así lo hace en las que serán algunas de las obras más importantes de su carrera, por ejemplo, El Arcángel San Miguel venciendo al demonio (1692), que fue encargado por el propio monarca para el monasterio de El Escorial.
- Élisabeth Vigée Lebrun (Francia, finales del siglo XVIII, Rococó y Neoclasicismo), Retrato de María Antonieta con vestido de muselina blanco.
HA! ... su trabajo fue muy apreciado por todas las cortes europeas, hasta el punto de que nobles y realeza se disputaban el honor de ser inmortalizados por su pincel. Se dice que la reina María Antonieta, después de ver el primer retrato que le hizo (donde aparece joven y hermosa, sosteniendo en una mano un cestillo de mimbre y en la otra una rosa), no quiso que la retratara nadie más. Madame Vigée-LeBrun había nacido solo con el Vigée (el LeBrun lo tomaría de su marido, con quien se casó a los veinte años cediendo a un deseo materno), en la primavera de 1755. La Ilustración estaba en su apogeo y se avecinaban nuevos tiempos. Su padre (al que estuvo muy unida) siempre alentó su temprana vocación por la pintura y la animó a tomar clases. Así, ya en su tierna adolescencia, Élisabeth aportaba dinero a la economía familiar con el fruto de su arte. Su obra llamó la atención por su sinceridad y frescura y pronto la nobleza parisina cayó rendida a sus pies. La joven se ganaba muy bien la vida y, como ella misma reconoció en sus memorias, no tenía ninguna necesidad de contraer matrimonio. Pero su madre la animó a aceptar la proposición de Monsieur LeBrun, un marchante de arte conocido de la familia, la (supuesta) fortuna del cual había impresionado a la progenitora. Y no era mal hombre el tal LeBrun, pero resultó ser un poco (bastante) aficionado al juego, de modo que la recién casada pronto se vio privada de la fortuna que había ganado con su esfuerzo y dedicación. Quizá el único bien que le aportó el matrimonio fue Julie, su hija, a quien Élisabeth adoraba y que aparece en muchas de sus obras. La Revolución llega y su amistad con la reina guillotinada levanta sospechas. Élisabeth debe huir precipitadamente de Francia. Los revolucionarios obligan a su marido a divorciarse de ella. La artista es persona non grata en la nueva república, y en los años siguientes, hasta que se le permite regresar a París con Napoleón I, peregrina de corte en corte, pintando a los personajes más importantes de Europa, incluido literatos como Lord Byron o Madame de Stäel. Antes de morir, ya anciana, en 1842 (y con el dolor de haber visto morir a su hija), tuvo tiempo de escribir sus maravillosas memorias, donde recoge su ajetreada y apasionante vida. Su obra pictórica, de un estilo dulce y amable y ejecutada con una técnica perfecta, fue pronto olvidada...
============== SIGLO XIX============
Cuatro artistas femeninas (una de ellas con dos obras, total cinco obras):
- Rosa Bonheur (Francia, mediados del siglo XIX, Realismo), El primer arado [La primera aradura].
HA! fue una pintora especializada en animales. ... Criada en la Francia rural, desde pequeña ya era tildada de «marimacho» («Yo era el más muchacho de todos»), una reputación que la siguió toda su vida y que no buscó desmentir, ya que llevaba el pelo corto y fumaba puros como un carretero. Efectivamente, Rosa era lesbiana, si es que eso tiene alguna importancia, y curiosamente en esa época tan conservadora, a nadie dentro del ámbito artístico le pareció demasiado mal, dado su buen hacer pictóricamente hablando. Gracias a esto consiguió la independencia financiera ... Se dice que Rosa tuvo que solicitar a las autoridades un permiso para vestirse de hombre (... una «autorización para usar disfraz» renovable cada seis meses...), pero sólo para frecuentar las muy masculinas ferias de ganado, que era lo que a ella le gustaba pintar. ... Los animales fueron el tema principal de su pintura: perros, zorros, leones, ciervos, ganado, y también algún ser humano, el animal más animal de todos, pero siempre acompañado de un cuadrúpedo. Su increíble minuciosidad al representar todo tipo de bestias la convirtieron en una figura importantísima dentro de la escuela Realista y Naturalista.
-Camille Claudel, (Francia, finales del siglo XIX, Impresionismo-Simbolismo), Shakountala [(Vertumno y Pomona)], ver también aquí
HA! ... siempre a la sombra de su mentor y amante Auguste Rodin. Sin embargo, su talento fue equivalente, e incluso hay quien afirma que la escultora ayudó a dar forma a algunas de las grandes obras del maestro (por no decir que éste las robó directamente). ... Desde muy pequeña disfrutaba moldeando el barro y ya se veía su capacidad para reflejar en ese material los rostros de sus seres queridos. Un juego que duró al hacerse mayor y que no gustó en absoluto a su familia, que la veían como una futura esposa, madre y «artista del hogar». Con 17 años fue admitida en una Academia de Arte parisina y de pronto, Auguste Rodin se percató del talento artístico de la joven, entrando en su vida como un terremoto. De alumna del ya legendario escultor pasaría a convertirse en su musa, y de ahí a amante. El talento de Claudel era evidente, pero la envidia y el machismo de la época hicieron que fuera objeto de comentarios desafortunados que ponían en duda su capacidad artística. La sombra de Rodin era demasiado larga y la artista empezó a tener una relación de amor/odio. Amaba al maestro con toda su alma, pero también lo odiaba por recibir él todo el reconocimiento público, constantes encargos y alabanzas. Ella era su simple alumna y amante. Claudel finalmente abandonó a Rodin (que no pensaba dejar a su esposa) y acabaría enloqueciendo… O eso dicen. Recientes biografías hablan de manipulaciones y maltratos por parte de su entorno, e incluso fue obligada a entrar en un sórdido psiquiátrico con el diagnóstico oficial de «manía persecutoria y delirios de grandeza». En total, 30 años de injusta reclusión en un sórdido lugar en el que se le negaron las visitas y en el que murió sin realizar una sola obra. Aún así, la escultora dejó una obra de apabullante talento. Su naturalismo tenía rasgos de impresionismo y simbolismo, buscando siempre la emoción que se traduce en un exquisito dramatismo gracias a un perfecto dominio de las técnicas y a su enorme sensibilidad.
- Berthe Morisot (Francia, último tercio del siglo XIX, Impresionismo), La cuna y Delante del espejo.
HA! En el seno de una familia burguesa francesa e interesada por el arte, unos padres le pagaron clases particulares de pintura a sus dos hijas. El maestro de estas vio desde el principio su potencial y ya advirtió a los progenitores que el arte puede llegar a regir el destino de sus dos hijas. Se trataban de Berthe y Edma Morisot. Estudiaron un año de la mano de Camille Corot cuya forma de captar la realidad a través de luz y el color influyó con notoriedad en su obra. Además las introdujo en el plein-air. Con apenas 25 y 23 años respectivamente, Edma y Berthe expusieron en el Salón de París (el deseo vital de Manet). Las muchachas siguieron exponiendo hasta que sus vidas tomaron rumbos diferentes: Edma se casó y renunció a seguir pintando, mientras que Berthe se unió a la ola de la vanguardia. Mientras trabajaba como copista en el Louvre, un señor con barba se le acercó pidiéndole si podría posar para él: era Édouard Manet. Morisot fue su modelo en decenas de ocasiones y nació entre ellos dos una longeva y fructífera amistad. No solo eso, sino que la pintora se enamoraría del hermano de su amigo, Eugène Manet, con quien se casaría y tendría una hija, Julie. Debido al estallido de la guerra franco-prusiana, Morisot y su familia pasaron casi dos años viviendo con su hermana. Fue durante este período que asentó sus bases técnicas y temáticas. Empezó a desarrollar una especie de nueva «taquigrafía visual» de pinceladas cortas y rápidas para pintar lo que tenía delante, fueran objetos o personas. Plasmó el movimiento y la caída de la luz trazando rayas discontinuas con la superficie del pincel, rápidas líneas con la punta del mismo y rayando la pintura con el mango. Ninguno de sus colegas impresionistas había trabajado de una manera tan experimental. Berthe Morisot pintaba lo que veía. Le gustaba pintar al aire libre, pero debido a su condición de mujer burguesa su margen estaba muy limitado pudiendo solo pintar en el hogar o en parques durante el día. Incluso estaba vetada de las reuniones en el café Guerbois. Aún así, ella entendía el impresionismo mejor que nadie. Al no tener permitida la entrada en las escuelas, su pintura nunca estuvo impregnada del academicismo del que se intentaban deshacer sus colegas. Su estilo era muchísimo más propio y auténtico que el de cualquier otro pintor. Su familia fue su modelo predilecto, en especial su marido y su hija, por ejemplo en La lectura o Eugène Manet y su hija en el jardín de Bougival. Trabajó toda su vida, participó en todas las exposiciones impresionistas menos en una (y fue porque acababa de nacer Julie), llevó el impresionismo a los Estados Unidos en la American Art Association y llegó a vender más cuadros que Monet, Sisley o Pisarro, logrando exponer individualmente. ...
- Mary Cassat (Estados Unidos-Francia, finales del siglo XIX, Impresionismo), Maternidad.
HA! ... americana nacida en Pensilvania, pasó gran parte de su vida en Francia, donde conoció a los artistas que cambiarían el arte moderno. Nacida en el seno de una familia de clase media alta, se mudó a menudo de hogar, pero siempre en un ambiente acomodado. Pasó su infancia entre los EEUU y Europa. En todas partes aprendió en idioma, y de paso recibió sus primeras lecciones de dibujo y música. En París visitó la Exposición Universal de París de 1855, donde vio en vivo la obra de los maestros franceses. En la exposición estuvieron también Degas y Pissarro, quienes más tarde serían sus colegas y mentores. Cassatt decidió entonces ser artista, frente a la oposición de sus padres. Se matriculó en la academia de arte, donde ya permitían la entrada a las mujeres más “frescas”. Además siempre que podía se metía en discusiones feministas, nada comunes en la época, y tenía un comportamiento bohemio. Más de un disgusto le causó a su familia eso de que la joven Mary se fuera por ahí de juerga con sus compañeros varones (entre sus compañeros de estudios se encontraba, por cierto, nuestro admirado Thomas Eakins). Lo cierto es que en el fondo Cassatt despreciaba la Academia. No aprendía demasiado en ella. Incluso no se le permitía trabajar con modelos desnudos, por eso de ser mujer. Sólo podía dibujar moldes. Mary decidió poner fin a sus estudios antes de obtener un título y se marchó a París en 1866. Dado que las mujeres aún no podían asistir a la École des Beaux-Arts, Mary recibió clases particulares de nada menos que Jean-Léon Gérôme, y se iba todos los días al Louvre. Poco a poco, fue mejorando muchísimo y en 1868, por primera vez, una de sus pinturas fue aceptada por el jurado para el Salón de París. Pero el estilo de la academia tenía los días contados. Los jóvenes ya tiraban por otro lado. Mary continuó con el rollo tradicional, pero en los años 70 el impresionismo había llegado, como el punk 100 años después. Cassatt era consciente de que al ser mujer, su obra no era tomada en serio. Una mujer no desarrollaba una carrera artística a menos que tuviera un amigo o protector en el jurado o coqueteara con sus miembros. La pintora se volvió más cínica y su obra empezó a hablar de temas de actualidad. En el Salón ya no querían a “esa loca”, pero Degas la invitó a mostrar sus obras a los impresionistas, un grupo de artistas que habían comenzado a exponer de forma independiente en 1874 con mucha notoriedad y habían cosechado la ira de los críticos desde hacía varios años. Se hizo desde el principio parte del grupo de los impresionistas y se unió a su causa con entusiasmo. Aún así no podía asistir a las reuniones en los cafés, por lo que se reunía con ellos en privado y en las exposiciones. Degas se convirtió en su gran aliado. Se ha especulado mucho sobre su amistad, y que probablemente fuera a mayores la cosa, pero no hay pruebas de ello más allá de los poco creíbles rumores de la época y especulaciones. La pintura de Cassatt era de una gran calidad, fruto de su talento. Si no fuera mujer estaríamos hablando de una artista al nivel de cualquiera de sus compañeros impresionistas. Su obra fue amplia, y pasó por varias fases, pero destacan en su producción imágenes de la vida social y privada de las mujeres, maternidades, y demás pinturas donde casi siempre está la presencia de la figura femenina, como reivindicándola. Mary Cassatt siempre fue una feminista, y apoyó activamente el sufragio femenino.
===== PRIMERA MITAD DEL SIGLO XX =======
Siete artistas femeninas:
- María Blanchard (España, primer tercio del siglo XX, Cubismo-Vanguardias del periodo de entreguerras), Mujer con abanico.
HA! Debido a una caída que sufrió su madre estando embarazada de ella, María vino al mundo con la columna deformada, lo que le produjo una visible joroba que le marcó su personalidad y su arte para siempre. Desde pequeña, el rechazo que su cuerpo ocasionó a la sociedad forjó que se encerrará en sí misma a la vez que se abría con la pintura. El arte le aportaba consuelo y la necesidad de encontrar y transmitir la belleza. Una belleza y armonía que logró con creces en sus composiciones pictóricas. A principios del siglo XX, abandonó su Santander natal para estudiar Bellas Artes en Madrid y así dedicarse profesionalmente a la pintura. Pasados algunos años, ya de vuelta a Santander, el arte de María Blanchard sobresalió y el ayuntamiento de su ciudad le otorgó una beca para estudiar en París. La artista estudió en la Academia Vitti en París, pero fue en la Academia María Vassilief donde conoció y se enamoró del Cubismo, una corriente artística novedosa. Blanchard se integró en la corriente logrando un reconocimiento dentro del círculo de Pablo Picasso y Juan Gris, con este último compartió el estilo y una larga amistad. Aprendió a aplicar las bases del movimiento en su trabajo y consiguió unas armónicas y bellas obras como El niño jugando con aro (1917) o Composición cubista (1919). Durante esta etapa, compartió apartamento con el gran muralista mexicano Diego Rivera y su pareja. María Blanchard se influyó de los colores luminosos del muralista para su trabajo. La pintora vivió obsesionada con la belleza. El arte fue una balanza, con la que podía crear, perfeccionar, hallar esa hermosura que creía que su cuerpo le negaba. María Blanchard sentía la necesidad de fabricar ese encanto sobre todas las cosas al igual que transmitir el amor maternal que el destino también le negó. ¡Y lo logró! En sus obras cubistas y posteriormente en sus lienzos mas figurativos consiguió un estilo depurado y tierno. La artista supo plasmar la belleza en retratos de mujeres y de niños, escenas de ocio, bodegones o en el dinámico movimiento de un abanico (Mujer del abanico, 1916).
- Sonia Delaunay (Ucrania-Francia, comienzos del siglo XX, Vanguardias-Orfismo), Prismas eléctricos.
.jpg)
Blog de mercedestamara: ... pasó su infancia en un pueblo de Ucrania. Instalada en París desde 1905 conoció a Robert Delaunay y se casó con él. En 1912 los dos crearon el orfismo, un estilo pictórico emparentado con el futurismo y el cubismo que, apareció en la misma época , aunque era más abstracto y con más colorido. El orfismo fue bautizado así en referencia a Orfeo, el poeta y músico de la mitología griega, por el poeta Guillaume Apollinaire , que vio semejanzas entre los planos solapados y armónicos de colores vivos y contrastados y las armonías de la música . También fue llamado simultaneismo porque combinaba a la vez figuras geométricas , dibujos claros y colores intensos. En 1914 las farolas de gas de París estaban siendo sustituidas por las farolas eléctricas de luz mucho más clara . Obsesionada por la naturaleza de la luz , sobre todo por la distorsión que experimentaba la de las nuevas farolas al proyectarse en prismas y halos de la calle.Delanuay Terk pintó Prismas eléctricos , obra cuya luminosidad y colores vibrantes están subrayados mediante círculos rítmicos de luz que evocan movimiento y profundidad. Con sus capas de colores y formas, esta pintora sugiere acción,en contraste con las composiciones estáticas y los colores apagados del cubismo. Gelaunay-Terk hizo muchosestudios para el cuadro , que fueron expuestos por primera vez en el Salón de los Independientes . También diseñó ropa, muebles , decorados teatrales y trajes de ballet . Tanto en sus creaciones textiles como en las pictóricas, la artista fue una gran innovadora.
- Georgia O ́Keeffe (Estados Unidos, siglo XX, Vanguardias), Línea gris con negro azul y amarillo.
- Liubov Popova, (Rusia, comienzos del siglo XX, Vanguardias), Arquitecturas pictóricas [hay varias con el mismo título].
- Sophie Taeuber-Arp (Suiza, Alemania, Francia, primera mitad del siglo XX, Vanguardias-Dadá), Cabeza dadá.
- Maruja Mallo (España -y exilio-, siglo XX, Vanguardias-Surrealismo), La verbena.
HA! ... Nacida en Viveiro (Lugo) se trasladó a Madrid y comenzó a estudiar en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, donde entabló una gran amistad con Salvador Dalí, pero acabará abandonando la academia por su encorsetado sistema. Maruja Mallo era ante todo libre. Ya respetada como un miembro más de la Generación del 27, vivió noches de juerga y poesía surrealista con Dalí, Lorca o Alberti (con el que vivió un romance). Buñuel por el contrario, no la soportaba, quizás por la defensa de Maruja del amor libre y la igualdad entre géneros. Ortega le cedió las instalaciones de su Revista de Occidente para la primera exposición en Madrid de Mallo. También formó parte de las «sin sombrero», las jóvenes intelectuales que escandalizaron a la mojigata sociedad por atreverse a salir a la calle sin esa prenda. (¡Oh, Dios mío! ¡Qué escándalo…!). Libre hasta las cachas, durmió siempre con quien quiso y como quiso. De igual a igual y sin dependencias ni dramas. Aunque parecía tener predilección por los poetas: Pablo Neruda y Miguel Hernández fueron algunas de sus conquistas. Otros como Éluard, Warhol o Breton, la admiraron profundamente. Vivió en París y Nueva York tras estallar la guerra civil en su país. Como artista cultivó un surrealismo muy especial. Su estilo pasó por dos etapas diferenciadas, una colorista en los años 20 con temáticas mágicas, cosmopolitas y optimistas; y otra sombría y apagada en los 30, más caótica y desequilibrada. También experimentó en esta etapa técnicamente incorporando al lienzo materiales orgánicos (ceniza, cal…). Después Mallo va recuperando el equilibrio y la armonía, demostrando una gran pericia en la pintura figurativa y recogiendo objetos y caracolas del mar. Vuelve a su país en los años 60 tras un cuarto de siglo de exilio.
- Frida Kahlo (México, primera mitad del siglo XX, Vanguardias del periodo de entreguerras), Las dos Fridas.
HA! ... fue una de las pintoras más conocidas de México y este país fue uno de los ingredientes principales de su obra. Los surrealistas quisieron ver en Frida a uno de los suyos, pero ella siempre se mostró reticente por un motivo: Frida no pinta sueños… pinta su realidad. «No sabía que era surrealista hasta que llegó André Breton a México y me lo dijo». Su vida estuvo marcada por diversos factores: la mala salud fue uno de ellos. La polio de su infancia y sobre todo un terrible accidente de autobus dejó secuelas que cambiaron su vida (dolores, amputaciones, imposibilidad de engendrar…), pero que también la iniciaron el el arte. Durante el largo periodo de convalecencia en el hospital Frida Kahlo realiza sus primeros trabajos artísticos. Otro factor que marcó su vida y obra fue el (los) matrimonio(s) con Diego Rivera, toda una institución en Mexico, que resultó una influencia masiva en el arte de Frida. Aunque Kahlo era polígama y bisexual, las infidelidades de su promiscuo marido hicieron de las peleas algo cotidiano y también quedó documentado en la pintura de la artista. La obra de Frida Kahlo es difícil de clasificar. Tan unida a su vida personal, se podría decir que los cuadros de Frida son sujeto y objeto. Sin duda, y aunque ella misma lo negara, hay una masiva influencia surrealista (no todo son sueños, también está la magia, los mitos y el inconsciente que se respira en México). También un evidente influjo expresionista. Muchos quisieron ver en su obra un primitivismo cercano a Rousseau, y desde luego se percibe esa ingenuidad e infantilismo naïf del francés, aunque Kahlo, como Rivera buscaron siempre mostrar un exaltado nacionalismo, un arte que expresara la afirmación nacional mexicana. Su condición de mujer también fue principal en su obra. Rompiendo tabús sobre el cuerpo y la sexualidad femenina siempre buscó con su trabajo alejarse de lo que podría hacer una mujer de su época y se mostró dura, excesiva, violenta, activa… Es por ello una especie de símbolo del feminismo en el arte. Al igual que Dalí, la Kahlo creó el personaje de Frida, con su forma de vestir y arreglarse, con vestimentas y abalorios indígenas, su negativa a depilarse cejas y bigote y su pasión por la cerveza. Según la propia artista, usó la simbología de los colores para su obra...
============= SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XX Y SIGLO XXI ===========
Seis artistas femeninas (dos de ellas sin especificación de obra):
- Zaza Hadid, Centro Heydar Aliyev en Bakú (2013).
.jpg?1384455904)
- Judy Chicago, The dinner party (1979).
/cloudfront-eu-central-1.images.arcpublishing.com/prisa/XJET64Y2FZBRRNT6H2MSOXA4XI.jpg) |
| Fuente: Breve historia (e historieta) del arte feminista El cómic ‘Feminist Art’ [de la guionista Valentina Grande y la ilustradora Eva Rosetti] repasa las contribuciones de grandes pioneras como Judy Chicago, Faith Ringgold, Ana Mendieta y las Guerrilla Girls (Silvia Hernando, El País, 9 de enero de 2023) |
:format(jpg)/f.elconfidencial.com%2Foriginal%2F33d%2F40f%2Fd24%2F33d40fd2401b244797dde605a24d33a9.jpg) |
| Fuente: El origen del arte feminista: Judy Chicago y la California de los 70 - En 'The Flowering' (Thames & Hudson), Chicago recorre su trayectoria profesional y delega el prólogo en la reciente galardonada con el Premio Príncipe de Asturias, Gloria Steinem (Andrea Farnós, El Confidencial, 05/08/2021) |
- Louise Bourgeois, Celdas (sucesivas instalaciones del mismo título, la última de 2008).
- Yayoi Kusama, Espejos infinitos (sucesivas instalaciones del mismo título).
Lunares, calabazas, lujo y selfis infinitos: Yayoi Kusama, la artista que nos merecemos (Álex Vicente, El País, 24 JUN 2023) - Tras décadas de arrinconamiento y olvido, la japonesa se ha convertido en la creadora más exitosa de nuestro tiempo. Bajo su aspecto colorista y pueril, escapista y mercantil, su obra esconde múltiples capas de oscuridad. El Guggenheim de Bilbao le dedica una gran retrospectiva
Visitantes se retratan en una instalación de Yayoi Kusama en el museo M+ de Hong Kong, en noviembre pasado. La misma muestra se puede ver ahora en Bilbao. LI ZHIHUA (CHINA NEWS / GETTY IMAGES)
¿Cómo incitar a la compra de un bolso de 8.000 euros con la inflación disparada y ante la ansiedad generada por la incertidumbre geopolítica? Louis Vuitton lo tuvo claro: recurriendo a Yayoi Kusama para que salpicara sus productos —faldas y abrigos, pantalones de mujer y de hombre, bikinis y gorros de pescador— con sus conocidos lunares. Y luego publicitando esa colección cápsula a través de una serie de gigantescas estatuas con el aspecto de la artista japonesa...
 |
| Fuente: LAS LOCAS INSTALACIONES DE YAYOI KUSAMA EN LOUIS VUITTON CHAMPS-ELYSÉES Y VENDÔME sortiraparis |
 |
| Fuente: La colaboración de Yayoi Kusama X Louis Vuitton que nos hará soñar (Vogue) |
- Ana Mendieta (body art y land art) [pongo como ejemplo "Imagen de Yagul", 1973]
- Marina Abramovich (Happening y Performance) [pongo como ejemplo "Imponderabilia", 1977]
))))))))))))))))))))))))))))))))))))))))))))))) (((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((((
ARTE E IDENTIDAD (SEXO, GÉNERO, RACIALIZACIÓN, VISIBILIZACIÓN Y CANCELACIÓN).
5 cuadros sororidad (Sara Rubayo (La Gata Verde) 5 cuadros horrores guerra )
Las mujeres artistas que fueron borradas de la historia por el patriarcado - ¿Acaso no hubo mujeres artistas? Katy Hessel responde a esta pregunta con un libro que repasa la historia del arte en el que, por vez primera, los hombres tienen un papel residual (reseña en El Periódico de España, 15 de diciembre de 2023)
Correctos, cancelados y excluidos - Una visita al MoMA da pie a una reflexión del artista visual, poeta y crítico de arte Juan Bufill sobre los museos de arte contemporáneo en el siglo XXI, sus selecciones y motivaciones (La Vanguardia, 20 de agosto de 2023) En todo el ámbito del arte contemporáneo internacional se está produciendo una distorsión grave cuando se considera que lo verdaderamente importante no es ya la obra de arte, sino otra cosa. Que suele ser la ideología, o bien el tema, o la identidad de su autor, o la sofisticación de la tecnología que emplea, o el éxito que ha obtenido en el mercado, o el precio que alcanzó en una subasta, o si es fácil traducirla a un simple titular de periódico. Estos criterios banalizadores parecen propios de personas que ni prestan atención a las obras de arte ni saben comprenderlas. Y, sin embargo, a menudo son decisivos y configuran las programaciones de bienales, centros y museos, que prefiguran, quizá, las futuras historias del arte.
https://elpais.com/cultura/2022-12-14/el-prado-rectifica-sus-cartelas-maria-tudor-deja-de-exhibirse-como-mujer-poco-agraciada.html
https://www.bbc.com/mundo/vert-cul-65101142 Controversia por el David de Miguel Ángel: 7 obras de arte que han causado polémica en la historia reciente
https://www.elconfidencial.com/alma-corazon-vida/2022-11-27/como-las-mujeres-quedaron-atrapadas-arte-xix_3529067/
https://elpais.com/babelia/2022-04-25/desnudos-escandalosos-y-estatuas-de-colores-estridentes-el-arte-clasico-segun-mary-beard.html#?rel=mas
Mary Beard, La antigua Roma aún importa - Muchas tradiciones de aquel imperio siguen vigentes. Entenderlas, cree la experta británica en antigüedad clásica, nos ayuda a conocer mejor nuestro mundo (El País, 17 OCT 2015)
Mujer, poder y arte (El Mundo)
Yale suprime un curso de arte por ser "demasiado blanco, masculino y occidental"
The naked truth about the nude in art – video (The Guardian)
Los 20 mejores desnudos masculinos de la historia del arte
https://es.wikipedia.org/wiki/Arte_feminista
https://www.hisour.com/es/feminist-art-36181/ (está en español)
Arte a prueba de racismo - Una exposición en París revisa la representación artística de los modelos negros a lo largo de la historia colonial de Francia y sus condiciones de vida durante la época que retratan - "El Museo de Orsay les rescata del olvido en 'Le modèle noir, de Géricault à Matisse' ... Organizada en colaboración con la Wallach Art Gallery de Nueva York, las más de 300 obras expuestas –pinturas, fotografías, esculturas y documentos– repasan casi dos siglos de luchas, tensiones y debates." (Público, 27 de abril de 2019)
¿Conoces a… es una serie de artículos ideada por Julia Cabrera, historiadora del arte y educadora artística afrodescendiente. La motivación es visibilizar a personalidades de la Historia del Arte de origen afrodescendiente; racializado, también desde una perspectiva de género e inclusiva en cuanto a la comunidad LGTB+.
La cancelación de los artistas ¿Por qué no usar la pintura, la escritura, el cine… para explicar la historia normalizada de violencia hacia las mujeres? Que la juventud vea en el arte una referencia para no normalizarla (El Periódico de España, 29 de septiembre de 2022)
Cultura de la cancelación: ¿debemos separar el arte del artista? - Por decirlo de alguna manera, te ofrecemos una guía práctica para seguir disfrutando de Buffy o Harry Potter en un mundo complejo. (Gabriela Geisinger, Esquire, 22/02/2021)
Poverty lines: where are the poor in art today?
Arquitectura de la independencia africana
Cómo el mito de las estatuas griegas blancas alimentó la falsa idea de la superioridad europea (Elisa Kriezis, BBC, 29 mayo 2021)
Descolonizar los museos (a favor, en contra) La jugarreta de Nigeria con los bronces de Benín devueltos a Alemania Los mármoles Elgin a un paso de volver aAtenas
 |
| Sevilla venera una talla de Santa Lucía que es un San Juan travestido (Público) Fuente de las imágenes |
=============================
IMAGEN DEL CUERPO FEMENINO EN LAS OBRAS DE LA PROGRAMACIÓN
[salvo indicación en contrario, son desnudos]:
Margarita Sánchez Romero desmonta mitos sobre las mujeres en la Prehistoria (Javier G. Paradelo, Efeminista|, 10 febrero, 2023) - (incluye video de un minuto y medio)
-Dama de Auxerre [VESTIDA]
-Trono Ludovisi [PRECEDENTE DE LOS "PAÑOS MOJADOS"]
-Friso de las panateneas, de Fidias (o su escuela) [PAÑOS MOJADOS]
-Tribuna de las cariátides del Erecteion (posiblemente, de Alcámenes) [PAÑOS MOJADOS]
-Afrodita de Cnido, de Praxíteles [EL PRIMER DESNUDO]
-Venus de Milo (posiblemente, de Alejandro de Antioquía) [VOLUMEN DE PIEGUES]
-Victoria de Samotracia (posiblemente, de Pitócrito de Rodas) [ROPAJE AL VIENTO]
-Matrimonio Arnolfini, de Van Eyck [VESTIDA, DE DEBATIDA INTERPRETACIÓN]
-Creación de Adán y Eva en las Puertas del Paraíso, de Ghiberti
-Anunciación, de Fra Angelico [VESTIDA, CONCEPTUALMENTE PROBLEMÁTICA -Comparar con los "raptos" mitológicos, Dolors Molas et al., La violencia de género en la antigüedad, 2006-]
-Nacimiento de Venus, de Botticelli
-Capilla Sixtina, de Miguel Ángel [especial escándalo causó el desnudo de Santa Catalina]
-Venus de Urbino, de Tiziano
-El rapto de las sabinas, de Giambologna
-Las Tres Gracias, de Rubens
-Venus del espejo, de Velázquez
-Esculturas de Canova (Eros y psique y Paulina Bonaparte)
-La libertad guiando al pueblo, de Delacroix
-El baño turco, de Ingres
-Almuerzo sobre la hierba, de Manet
-Delante del espejo, de Berthe Morisot
-Maternidad, de Mary Cassat [DANDO EL PECHO]
-La alegría de vivir, de Matisse
-Las señoritas de Aviñón, de Picasso
-Mujer con abanico, de María Blanchard [VESTIDA]
-Línea gris con negro azul y amarillo, de Georgia O ́Keeffe [aunque el programa lo califique de "abstracción", las referencias figurativas de la obra de esta artista son tanto las flores como el sexo femenino]
-Mujeres y pájaros a la luz de la luna, de Miró (y otras como Mujer, pájaro, estrella)
-La verbena, de Maruja Mallo [VARIAS FIGURAS VESTIDAS]
-Las dos Fridas, de Frida Kalho [VISIÓN DE LOS ÓRGANOS INTERNOS]
-Esculturas de vanguardia (Madmoiselle Pogany, de Brancusi, Mujer ante el espejo, de Pablo González, Figura reclinada, de Henri Moore)
... y otras que no
-La tentación de Eva, de Gisleberto de Autun
-Creación de Eva, de Lorenzo Maitani
-Expulsión del paraíso, de Masaccio
-Venus, de Cranach (escándalo en el Metro de Londres)
-Leda, de Leonardo da Vinci (y versiones posteriores, entre ellas una de Miguel Ángel)
- Amor sacro y amor profano, de Tiziano
-Las "Poesías" de Tiziano como Venus y Adonis -y el mismo tema por Veronés, Carracci...
-Venus, Vulcano y Marte, de Tintoretto
-La gran odalisca, de Ingres (también su Venus anadiómeda y La fuente) exposición de Ingres a Picasso
-El origen del mundo, de Courbet (también El estudio del pintor)
-Mujer con espejo y Rapto de Europa, de Botero (también sus pinturas)
=====================================
IDENTIDAD, EDADISMO Y MERCADO
¿Por qué Velázquez cuesta tan ‘poco’? - La debilidad de las subastas, la pérdida de coleccionistas, los nuevos hábitos de vida y una capacidad de especulación muy limitada desmoronan los precios de los maestros antiguos españoles frente a creadores vivos actuales (El País, MIGUEL ÁNGEL GARCÍA VEGAç, 02 JUL 2023)
... un efecto del capitalismo de la inequidad. El aumento de multimillonarios ha sido inimaginable y quieren comprar obras-trofeos: modernas y contemporáneas o novedades. Artistas muy jóvenes. Antes, en los años ochenta, la élite estadounidense y europea cabía en un avión privado, estos días viajan en transatlántico. En 1985, de acuerdo con los cálculos del experto en arte y mercado, Thomas Gonzalez, había 15 multimillonarios. En 2023 llegarán a 2.640. Un aumento del 17.500%. El arte ha sido sitiado por los inversores. Quieren ganar dinero a la velocidad que pintaba Luca Giordano (1634-1705), apodado Fra Presto, El rápido. Y las subastas (facturaron, según UBS, 30.600 millones de dólares el ejercicio pasado, un 2% menos que en 2021) se mueven como la aceleración de Coriolis. Giran en sentidos contrarios. “En el arte actual y moderno propulsan los precios, en el antiguo los llevan (salvo piezas excepcionales) a los suelos y las obras pierden aún más valor”, observa el marchante Nicolás Cortés. También la tecnología ha puesto las cartas sobre la mesa. Era muy habitual que un anticuario comprara una pieza barata en subasta, la restaurara, y apareciese en una feria, en bastantes ocasiones, tres, o más veces, por encima de su precio de compra. Esta práctica se ha terminado porque infinidad de aplicaciones ofrecen en el teléfono inteligente los remates reales de las obras. El coleccionista ya no admite esos márgenes desproporcionados con los que los anticuarios trabajaron durante décadas. ... Con la pandemia se perdieron coleccionistas (tradicionalmente mayores), los jóvenes —resume Thomas Gonzalez— no son religiosos y no comprenden la iconografía, la vida laboral nómada lleva de una ciudad a otra (un lastre para transportar cuadros), aumentan los divorcios y en el diseño de interiores se impone un minimalismo donde todo debe ser vanguardia y vacío. Y el regreso del dinero. Esa es la principal razón de la diferencia de precios. “El arte se compra como quien adquiere acciones. En el antiguo hay muy pocos bienes. Exige tener mucho conocimiento. ¿Qué es original? ¿Qué es taller? El estado de conservación, las exposiciones, la literatura. Todo resulta muy complicado”, desgrana Gonzalez. Solo compran museos y unos pocos coleccionistas. El arte contemporáneo está documentado y acumula infinidad de obras, compradores y capital. “Por supuesto, también hay mucha especulación, la gente confía en creadores jóvenes que podrían aumentar su valor. Nada de esto funciona con el arte de los viejos maestros”, concluye el analista. ... las escasas ocasiones que aparece un lienzo de [Velázquez] en subasta, su remate —según la plataforma MutualArt.com— es ridículo comparado con infinidad de creadores contemporáneos vivos. Retrato de un caballero, vendido en 2011 (sala Bonhams), se fue por 2.953.250 libras (3.436.952 euros al cambio actual), un lienzo a dos manos (el rostro es velazqueño) con Pietro Martire Neri, que representa al mayordomo del papa Inocencio X, encontró comprador en 2018 (Sotheby’s) por 4.066.600 dólares (3.726.041 euros al cambio actual) y la imagen —con problemas de conservación— de Olimpia Maidalchini Pamphili, amante del Pontífice, alcanzó 2.495.000 libras durante 2019 también en Sotheby’s. Hubo una excepción. En 2003, el Prado adquirió por 23 millones de euros El barbero del Papa. La tela pertenece al segundo viaje a Italia (1649-1651) del maestro y se supone que representa una obra extraordinaria. Es casi el precio medio de un lienzo de 2 x 2 metros de la serie Abstraktes Bild del alemán de 91 años Gerhard Richter —quien, además, tiene una ingente producción—. Su récord de esa serie —conseguido en 2022— supera los 36,5 millones de dólares. Velázquez es un genio universal. ¿Y qué queda de Goya? Su valor más elevado (junio, 2023) es “solo” de 16,4 millones de dólares por un retrato doble de 1805. Rescoldos. Casi hay más interés por sus dibujos y grabados. Triunfan en el mercado otro tipo de artistas. El pintor afroamericano Kerry James Marshall (Alabama, 1955) es capaz de vender por 21,1 millones de dólares (Past Times) durante 2018 y tener a la Tate de Londres cinco años esperando por un cuadro suyo. En 2014, el Museo Reina Sofía exhibió su trabajo en la muestra Kerry James Marshall: pinturas y otras cosas. Entonces, por un lienzo se pedía un millón de dólares. Inasumible para la institución española. Son artistas con esteroides. Un óleo de dos metros de Cecily Brown (Londres, 1969) costaba en 2002, en su galería Gagosian, unos 50.000 dólares. Su récord, Suddenly, Last Summer (1997) durante 2018 ya sobrepasó los 6,7 millones de dólares en subasta. Y una chica de 30 años (la británica Jadé Fadojutimi) vendió el año pasado en Philips una tela de 140 x 140 centímetros por 1.172.000 libras. Los ejemplos ocupan un manual de arte. Queda El Greco, claro. Queda Ribera. Pero El Españoleto cuesta la mitad que Fadojutimi. E incluso mucho menos. Aunque a veces sale del marco. Un excelente San Jerónimo se remató en junio en Christie’s por 2.036.000 euros. Sin embargo, tiene que ser excepcional. Hasta que el Prado no reivindicó, en la exposición Ribera. Maestro del dibujo (2016) su talento, en esa expresión, estaba infravalorado. Sus apuntes, incluso, no se vendían. Pese a todo, Velázquez, Goya o Ribera son historia del arte. ¿Qué será de Richter, Marshall, Brown, Fadojutimi, y tantos otros, cuando soplen las primeras brisas del tiempo? - Los viejos maestros tienen sus lugares comunes como si se reunieran en una antigua hostería napolitana. Un gran porcentaje de las mejores obras están en museos públicos, sintetiza José Antonio Urbina, director de la galería Caylus. Los países donde se crearon gran parte de esas piezas —España, Francia e Italia— tienen limitaciones en su exportación y muchas solo se pueden vender dentro de sus fronteras, lo que reduce la cotización, y no ha habido, en los últimos años, grandes goyas o velázquez a la venta en el mercado internacional. Faltan obras, coleccionistas y, quizá, unión en el sector. Permanecen algunas certezas. Es un mercado secundario. Los artistas dejaron hace siglos de producir. “Y no debemos confundir valor y precio, ni resulta justo, ni particularmente útil, comparar el coste de un jeff koons y un murillo”, sostiene Amanda Dotseth, responsable del Museo Meadows de Dallas. Al final, el dinero lo baña todo. “Para especular, el contemporáneo; para invertir, lo antiguo, sólido y contrastado”, aconseja el galerista Artur Ramon.
 |
| Colgando "El barbero del Papa" en el Museo del Prado, ante el presidente Aznar (2003) |
 |
| San Jerónimo, de Ribera, expuesto para su subasta en Christie's (2023) |
 |
| Retratos de Leonora Antonia Valdés de Barruso y María Vicenta Barruso Valdés, de Goya, expuestos para su subasta en Christie's (2023) |
| Past Times, de Kerry James Marshall (1997) MET |
 |
| Una obra de la serie Abstraktes Bild, de Gerhard Richter, en una exposición |
 |
| THE BRITISH ARTIST CECILY BROWN IS IN A LEAGUE OF HER OWN (LVH) |
 |
| Painting takes me over – like witchcraft’: Jadé Fadojutimi, art’s hottest property (The Guardian, 7/09/2022) |
No hay comentarios:
Publicar un comentario
Nota: solo los miembros de este blog pueden publicar comentarios.